*Atenção para os spoilers.

“Esse era mais ou menos o padrão de minha vida – eu nunca fora forte o suficiente para lidar com as coisas que estavam fora de meu controle, atacar os inimigos ou superá-los. Evitar a dor. Sempre humana e fraca, a única coisa de que eu era capaz era continuar. Suportar. Sobreviver”. (p. 289)

A frase destacada no início desse post é quase que um testamento a tudo aquilo que a jovem Isabella Swan viveu no decorrer dos quatro livros da saga “Twilight”, a qual foi escrita por Stephenie Meyer. Na quarta – e última – obra da série, “Amanhecer” a adolescente vai se deparar, finalmente, com o momento crucial de sua vida – pelo menos, aquele que ela mais ansiava viver desde que conheceu e se apaixonou por Edward Cullen: aquele instante em que ela vai deixar de ser mortal e vai abraçar a vida como vampira de forma a poder ser a companheira eterna de seu amado. 

Porém, antes de Bella vivenciar isso, como leitores da saga, chegamos a uma importante constatação. A série “Twilight” era para falar estritamente sobre uma história de amor altamente impossível de acontecer, mas que encontra os seus caminhos para florescer. No entanto, ao nos dedicarmos à leitura completa dos livros da saga, chegamos à conclusão de que as obras da série “Twilight” seguem a jornada de Bella rumo ao amadurecimento da decisão sobre a qual falamos no início do nosso texto – e isso inclui também o desenvolvimento de toda a história referente à Jacob Black, que se torna um personagem tão importante neste universo a ponto de chegar, em certos momentos, a ofuscar totalmente Edward Cullen, contudo, e é importante dizer isso, sem nunca terminar com o encanto que o vampiro exerce sobre nós. 

Como Bella e Jacob são personagens tão importantes para a saga “Twilight”, não chega a ser impressionante perceber que, em “Amanhecer”, a escritora Stephenie Meyer decidiu adotar um recurso linguístico bem interessante – e que já foi usado por grandes escritores como Ian McEwan, Virginia Woolf e Michael Cunningham: a alternância de vozes narrativas no texto. “Amanhecer” é quase que dois livros: um que carrega toda a perspectiva de Bella Swan e um segundo que nos mostra o ponto de vista de Jacob Black. Em comum entre esses dois pontos, o fato de que ambos os personagens oferecem suas opiniões acerca do que está por vir.

Mesmo com a presença deste detalhe interessante, “Amanhecer” peca muito, especialmente ao chegar no meio de sua história, por dedicar tempo demais a uma trama que chega a parecer totalmente estapafúrdia –  e sei que vai parecer estranho quando eu disser que tal acontecimento era até esperado, uma vez que não imaginava Bella abdicando de sua vida humana antes de vivenciar plenamente todas as experiências de uma mulher. Além disso, é impossível enxergar beleza na maneira como Stephenie Meyer decidiu terminar o triângulo amoroso de Edward-Bella-Jacob – o imprinting do jovem lobisomem, ainda mais com quem foi, soa até doentio e estranho, mas essa é apenas a minha opinião. 

“Amanhecer” só decola mesmo no seu segmento final, quando vemos muita ação acontecendo, personagens novos sendo introduzidos, e a exploração de uma sub-trama que coloca Bella Swan como a grande heroína que ela é, afinal a jovem, desde que a conhecemos pela primeira vez, em “Crepúsculo”, já deu provas suficientes de que está totalmente disposta a defender aqueles a quem ama profundamente. São nestes instantes em que Stephenie Meyer nos lembra o por quê de ela ser a autora de um dos maiores sucessos recentes da literatura mundial. 

Um detalhe que é importante mencionar é que, mesmo com estas falhas narrativas que notamos, “Amanhecer” é um livro bem interessante do ponto de vista das imagens que ele suscita em nossa mente. O que nos leva a crer que o diretor da última adaptação cinematográfica da série vai ter um bom material a explorar. Até porque “Amanhecer” entrega para os leitores o final feliz que eles tanto queriam ver (alguém duvidava que isso iria acontecer?) e ainda deixa margens para possíveis novas histórias a serem exploradas futuramente pela autora Stephenie Meyer e, consequentemente, Summit Entertainment.

Amanhecer (2009)
Autora: Stephenie Meyer
Editora: Intrínseca

Baseado em fatos reais, o filme alemão “Os Falsários”, do diretor Stefan Ruzowitsky, conta a história por trás da Operação Bernhard, na qual foi feita a maior falsificação de todos os tempos, quando o exército alemão nazista, durante a II Guerra Mundial, obrigou um grupo de judeus prisioneiros de um campo de concentração a falsificar milhões de libras inglesas e, posteriormente, um punhado de dólares. 

Isto só foi possível graças a presença de Salomon “Sally” Sorowitsch (Karl Marcovics) neste grupo. Falsificador de primeira qualidade, Sally foi preso e enviado a um campo de concentração, aonde, de vez em quando, dava uma amostra de seu talento incomum. Em uma de suas constantes mudanças de “moradia” durante a guerra, Sally é descoberto pelo seu algoz, Friedrich Herzog (Devid Striesow), o qual coopta-o para a Operação referida no primeiro parágrafo de nosso texto. 

É desta maneira que a qualificação rara de Salomon “Sally” Sorowitsch acaba salvando-o da morte. Por ser útil a um determinado propósito dos alemães, Sally usa seu dom como moeda de negociação e consegue convencer ao seu “chefe” de que precisa de uma equipe trabalhando com ele direto nas falsificações. Portanto, ao ajudar os alemães a financiar a guerra e a recuperar a economia de seu país, Sally ainda consegue evitar a morte de outros amigos judeus que passam a fazer parte desse exército paralelo de falsificadores – e, ainda assim, a posição de Sally é delicadíssima, uma vez que ele vive no seu limite o tempo inteiro e depende do bom humor e da boa vontade dos alemães para o seu plano continuar dando certo. 

Vencedor do Oscar 2008 de Melhor Filme Estrangeiro, “Os Falsários” é uma obra que chama a atenção justamente por oferecer uma perspectiva diferente sobre um tema que é abordado à exaustão pela sétima arte. O elemento interessante do filme é a oportunidade que ele nos oferece de ver judeus e alemães do mesmo “lado” em um dos aspectos vividos na II Guerra Mundial. Mesmo assim, contraditoriamente, tanto os judeus quanto os alemães sabem que não estão no mesmo barco. Os primeiros lutam pela sobrevivência e nunca estão livres o suficiente para agir com os segundos – os quais usam os judeus, nesse caso, para benefício próprio e do regime pelo qual eles lutavam.

Cotação: 7,5

Os Falsários (Die Fälscher, 2007)
Diretor: Stefan Ruzowitsky
Roteiro: Stefan Ruzowitsky (com base no livro de Adolf Burger)
Elenco: Karl Marcovics, August Diehl, Devid Striesow, Martin Brambach, August Zirner, Veit Stubner

(O caso da aluna da UNIBAN)

No dia 22 de outubro, uma estudante do curso de Turismo de uma universidade particular de São Paulo foi hostilizada pelos colegas de universidade, pois apareceu, na instituição de ensino, com um provocante vestido vermelho. Chamada de todos os nomes possíveis e imagináveis, a estudante teve que sair escoltada do local, pois o tumulto estava grande demais. Uma cena de total preconceito e hipocrisia, uma vez que a jovem tem todo o direito de sair de casa vestida com a roupa que quiser – independente do fato de eu, você ou qualquer outra pessoa achar que a vestimenta escolhida por ela seja adequada ou não ao ambiente.

Eis que, após instaurar uma sindicância para investigar o acontecido, a universidade decidiu publicar uma nota neste domingo, nos jornais de maior circulação do país, informando que a aluna do caso em questão foi expulsa da universidade “em razão do flagrante desrespeito aos princípios éticos, à dignidade acadêmica e à moralidade”. Um resultado vergonhoso para uma situação mais ridícula ainda. A sentença, além de preconceituosa, é totalmente contraditória. O que acontece com os alunos que chamaram a estudante de nomes de baixo calão? Eles também desrespeitaram os princípios éticos, a diginidade acadêmica e a moralidade. Perderam o seu direito a partir do momento em que invadiram o direito da estudante do curso de Turismo. Eles também deveriam ser punidos, mas o que aconteceria se a universidade tivesse que expulsar todos os estudantes que participaram dessa baderna? Quem iria pagar as mensalidades que mantêm a instituição? É o típico caso de dois pesos, duas medidas. Só no Brasil mesmo!

Pós-Edição: Após a repercussão da notícia, a UNIBAN decidiu revogar a expulsão da aluna.

No início de “A Queda – As Últimas Horas de Hitler”, filme dirigido por Oliver Hirschbiegel, a Srta. Junge, que trabalhou como secretária particular do ditador alemão, discorre sobre o choque dela diante do fato da Alemanha ter caído nas garras da ditadura nazista. Ela não conseguia compreender porque isto aconteceu, afinal, os alemães são um povo inteligente e não seriam, em decorrência disso, facilmente dominados intelectualmente – ainda mais por ideias tão transgressoras como as defendidas por Hitler. 

Nos primeiros trinta minutos de “A Onda”, filme dirigido por Dennis Gansel (também co-autor do roteiro ao lado de Peter Thorwarth), também encontramos um questionamento relacionado a esta responsabilidade histórica carregada pelos alemães. Ao se defrontar com uma discussão realizada pelos seus alunos, o professor Rainer Wenger (Jurgen Vogel) olha para eles e pergunta: a Alemanha atual poderia ser subjugada novamente por um regime ditatorial? 

É a partir desta pergunta que a trama de “A Onda” se desenvolve. Acontece que Rainer, um professor que foge do esteréotipo padrão (ele é roqueiro e se veste de forma alternativa) e fala a mesma linguagem que seus alunos, está oferecendo uma oficina sobre o tema Autocracia (termo que significa governo por si próprio e pode ser aplicado a regimes ditatoriais, tiranos, déspotas, autoritários e totalitários) e, como uma experiência prática para que os alunos entendam como a teoria funciona, ele propõe a criação de um grupo o qual dá nome a este filme.

O que o longa efetivamente nos mostra é a criação fugindo do controle do criador. Ao vivenciarem a experiência da Onda, os jovens estudantes do professor Rainer vão além, criam suas próprias regras, expandem seus domínios e passam a se comportar de uma forma que seria irreconhecível para eles mesmos. O interessante aqui é que o diretor Dennis Gansel nos retrata uma atmosfera política perfeita, pois temos o lado dominante e encontramos também um lado de oposição a esse grupo, o qual é formado pelos estudantes que lutam sozinhos para trazer a sanidade de volta à mente de seus colegas de escola. 

Baseado em uma história real que aconteceu na Califórnia, em 1967, “A Onda” é um filme surpreendente sobre o poder das ideias, sobre o poder da influência, sobre a força das ações e das palavras, sobre ter a lucidez de reconhecer quando as coisas estão indo pro lado errado, sobre ter a capacidade de admitir erros e de tentar consertar as coisas. Mas, especialmente é um belo estudo sobre como existem certas situações com as quais não se deve brincar e o professor Rainer Wenger aprende isso da pior forma possível – ainda mais porque ele deixou a vaidade de ver várias pessoas fazendo tudo o que ele mandava subir à sua cabeça. Quando ele quis retomar as rédeas dos fatos, era tarde demais. O estrago já estava feito! 

Cotação: 10,0

A Onda (Die Welle, 2008)
Diretor: Dennis Gansel
Roteiro: Dennis Gansel e Peter Thorwarth (com base no livro de Todd Strasser)
Elenco: Jurgen Vogel, Frederick Lau, Max Riemelt, Jennifer Ulrich, Christiane Paul, Jacob Matschenz, Cristina do Rego, Elyas M’Barek, Maximilian Vollmar

“Desejo e Perigo”. Já está bem definido no título do filme dirigido por Ang Lee quais são os temas principais desta obra, a qual foi baseada no conto de Eileen Chang e foi adaptada por James Schamus e Hui-Ling Wang. O longa se passa durante a Segunda Guerra Mundial, em Xangai, cidade chinesa, quando um grupo de estudantes universitários que fazem resistência à guerra e, especialmente, àqueles que colaboram com os inimigos japoneses, recrutam uma inocente jovem chamada Wong Chia Chi (Wei Tang) para fazer com que ela se passe por uma distinta senhora e se aproxime do Sr. Yee (Tony Leung Chiu Wai), um dos maiores colaboradores dos japoneses no conflito. 

A história de “Desejo e Perigo” se passa em duas linhas de tempo distintas. Na primeira, que acontece em 1938, encontramos o grupo de estudantes universitários, os quais são muito interessados em artes dramáticas. Ao montarem um espetáculo de tom patriótico, eles decidem criar um ato ainda maior: uma trama em que cada um deles tem um papel bem definido e que possui o objetivo de alcançar aquilo que descrevemos no primeiro parágrafo de nosso texto. 

Na segunda, que ocorre em 1942, encontramos uma segunda tentativa do grupo de conseguir a morte do Sr. Yee – o qual, agora, é uma figura muito mais importante nas relações entre os chineses e os japoneses. Aqui, o roteiro de Shamus e Wang fica ainda mais interessante, pois, com a proximidade que é estabelecida entre Yee e Wong Chia Chi (que adota a alcunha de Mak Tai Tai para o figurão) e, na medida em que as relações entre eles ficam mais passionais e dependente do magnetismo que um exerce sobre o outro, as chances da identidade verdadeira dela ser descoberta se tornam ainda maiores. 

Ao assistirmos “Desejo e Perigo”, é inevitável não pensar em “A Espiã”, do diretor Paul Verhoeven, um outro thriller de espionagem passado na Segunda Guerra Mundial. As duas obras se apoiam em personagens femininas que ficam em uma situação extremamente delicada justamente por não conseguirem manter certa distância emocional daqueles que deveriam ajudar a entregar à resistência. Além disso, tem todo o aspecto da sensualidade e da paixão que estes relacionamentos suscitam. Assim como Verhoeven fez, em sua obra, Ang Lee filma tudo aqui (com o apoio da fotografia brilhante de Rodrigo Prieto) com muita classe. O conflito que estas mulheres vivem, a maneira como elas acabam expondo aqueles que deveriam ser suas vítimas, mostram que todos os planos (mesmo aquele minuciosamente feitos) estão totalmente sujeitos às circunstâncias nas quais eles irão tomar espaço – e, nesse sentido, vale também destacar a atuação da dupla Tony Leung e, especialmente, Wei Tang.

Cotação: 8,8

Desejo e Perigo (Se, jie, 2007)
Diretor: Ang Lee
Roteiro: James Schamus e Hui-Ling Wang (com base no conto de Eileen Chang)
Elenco: Tony Leung Chi Wai, Wei Tang, Joan Chen, Lee-Hom Wang, Chung Hua Tou 

Após muitas especulações, foi anunciado, ontem à noite, pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas (AMPAS) o nome dos apresentadores do Oscar 2010. Sim, você leu corretamente: na cerimônia do próximo ano, foi decisão dos produtores Bill Mechanic e Adam Shankman chamar dois apresentadores para a noite mais importante do cinema e eles são a dupla de atores Alec Baldwin e Steve Martin, que calham de ser também dois dos atores principais de “It´s Complicated”, filme da diretora e roteirista Nancy Meyers, que estreia no dia 25 de dezembro, nos Estados Unidos, e conta também com uma possível Oscarizada na noite de 07 de Março de 2010: Meryl Streep. 

Martin não é estranho no palco do Kodak Theatre. Foi dele a enorme responsabilidade, por exemplo, de apresentar a cerimônia do Oscar 2003, a qual foi realizada em meio à iminente guerra contra o Iraque. E, nesta ocasião, Steve fez um excelente trabalho, com um monólogo bem-humorado sobre as estrelas hollywoodianas, mostrando que sabe fazer humor com muita classe em um momento particularmente bastante delicado para os norte-americanos. Tenho certeza de que ele será, mais uma vez, excelente. 

Já Baldwin, que vai estrear como mestre de cerimônias de uma premiação, oferecerá um contraponto bem interessante ao seu parceiro de Oscar. O ator, que pode ser visto atualmente no ar com o seriado “30 Rock”, tem um senso de humor mais ácido, frases sarcásticas e um estilo mais “bruto”, digamos, de ser. Apesar de não ter a experiência de stand-up comedy que Martin possui, Alec é um excelente Variety Host, como prova as 14 vezes em que ele apresentou o programa humorístico “Saturday Night Live” – experiência a qual, diga-se de passagem, foi fundamental para que ele obtivesse o papel principal no seriado criado por Tina Fey. 

Ou seja, com a combinação Steve Martin-Alec Baldwin, a AMPAS tenta nos oferecer o melhor dos dois polos: humor e entretenimento. Entretanto, eles perdem em comparação ao anúncio feito pela Hollywood Foreign Press Association. Ricky Gervais oferece o mesmo combo numa só pessoa! Pelo menos, no quesito apresentador, o Globo de Ouro saiu em vantagem nesse ano. Em outras palavras, a dupla Adam Shankman e Bill Mechanic, com certeza, vão ter MUITO trabalho pela frente, especialmente se quiserem criar certa antecipação para a próxima cerimônia do Oscar – que promete ser a mais arrojada em termos de mudanças nos anos recentes. Mãos à obra, AMPAS!

Só vai compreender os membros da família Fitzgerald, especialmente a matriarca Sara (Cameron Diaz), aqueles que já estiveram na mesma situação que eles. É muito difícil ter que ver alguém que a gente ama se definhando com o tempo e ficando cada vez mais frágil por causa de uma enfermidade brutal. O sentimento é de impotência porque, por mais que você tente e por mais que você tome alguma atitude, a dor e a agonia do outro nunca se atenua. E existe um momento, um difícil momento, diga-se de passagem, em que a gente tem que encarar as coisas de frente e deixar com que aquela pessoa se vá, por mais difícil e doloroso que isso seja para ambas as partes. 

O filme “Uma Prova de Amor”, do diretor Nick Cassavetes, fala justamente sobre este duro instante de aceitação de que o fim está próximo. Por treze anos, os membros da família Fitzgerald – o pai Brian (Jason Patric), a mãe Sara, o irmão Jesse (Evan Ellingston), a irmã Anna (Abigail Breslin) e a tia Kelly (Heather Wahlquist) – vivem a mesma rotina por causa de Kate (Sofia Vassilieva, da série “Medium”). Ela foi diagnosticada com um tipo raro de leucemia e, desde a mais tenra idade, só conhece a dura rotina de hospitais, tratamentos e procedimentos cirúrgicos. 

A situação ainda é mais complicada para Anna, que foi geneticamente concebida para ser uma doadora perfeita para a irmã – após esta ter sido diagnosticada e os médicos terem constatado que os pais e Jesse não eram doadores compatíveis com Kate. Então, Anna não tem vontade própria. Ela está ali para prolongar a vida da irmã, para dar esperanças aos pais (especialmente a Sara, uma lutadora incansável pela saúde de Kate) e para se adequar às necessidades da irmã mais velha. 

A trama de “Uma Prova de Amor” parte da ação judicial que é imposta por Anna aos pais pela sua emancipação médica. Ou seja, ela não quer mais sujeitar seu corpo a duros procedimentos médicos para salvar Kate. A princípio, isso pode parecer um tanto cruel. Mas, é aí que entra um recurso narrativo muito interessante e que foi utilizado por Nick Cassavetes e Jeremy Leven na adaptação do livro de Jodi Picoult: ao alternar diversas vozes narrativas, oferecendo várias perspectivas sobre como a enfermidade de Kate afeta a vida dos Fitzgerald como família, você compreende que Brian, Sara, Kate, Jesse, Anna e Kelly estão todos chegando àquele ponto em que eles começam a perceber que a vida vai continuar, mesmo não sendo da forma como eles sonhavam, mesmo eles tendo que enfrentar uma grande perda. 

Um dos maiores receios em relação a uma trama desse tipo é que o diretor que a transporta para a grande tela exagere em certos pontos, criando um filme melodramático e manipulador. Felizmente, este não é o caso de Nick Cassavetes. Diretor de “O Diário de uma Paixão” e filho de John Cassavetes e Gena Rowlands, Nick sabe que o segredo está em colocar o foco nos personagens – neste caso, em particular, nos jovens Kate, Jesse e Anna, porque são eles que vão fazer com que os adultos enxerguem as verdades que eles se recusam a admitir. O resultado é que “Uma Prova de Amor” emociona sem ser piegas porque é verdadeiro.

Cotação: 9,0

Uma Prova de Amor (My Sister´s Keeper, 2009)
Diretor: Nick Cassavetes
Roteiro: Nick Cassavetes e Jeremy Leven (com base no livro de Jodi Picoult)
Elenco: Abigail Breslin, Sofia Vassilieva, Cameron Diaz, Jason Patric, Heather Wahlquist, Evan Ellingson, Alec Baldwin, Emily Deschanel, Joan Cusack, Thomas Dekker

O primeiro ato de “De Repente, Califórnia”, filme escrito e dirigido por Jonah Markowitz, é muito claro em seu propósito. Ele quer nos mostrar que Zach (Trevor Wright) é um jovem completamente normal. Morador de San Pedro, cidade californiana, ele divide seu tempo entre o trabalho como cozinheiro numa lanchonete, o surfe nas praias ensolaradas do local, baladas com os amigos e o namoro ioiô com Tori (Katie Walder). 

Entretanto, como veremos logo no segundo ato do filme, Zach tem uma grande diferença em relação a outros jovens de sua idade. Ele é membro de uma família bem complicada. O pai é alguém com quem, claramente, não se pode contar. Então, desde a morte da mãe, Zach tomou para si a responsabilidade de ser aquele que é o pilar da família e que a coloca nos eixos, especialmente porque a irmã Jeanne (Tina Holmes, que muitos irão se recordar de ter participado de “Six Feet Under”) é meio irresponsável e relega ao irmão os cuidados principais do filho Cody (Jackson Wurth). 

Crescer em meio a um ambiente assim não deve ser fácil e está claro para a plateia que Zach é um jovem que possui seus próprios sonhos e ambições (especialmente cursar artes plásticas na Cal Arts, universidade da região). Entretanto, por causa das razões citadas anteriormente, ele é que tem que adiar seus sonhos e ver os amigos se encaminhando na vida. Zach precisa de um abrigo (para fazer referência ao título original deste filme), de alguém que lhe dê suporte e que seja parceiro (a) dele na vida em si. O jovem irá encontrar essa pessoa na figura de Shaun (Brad Rowe), que vem a ser irmão do melhor amigo de Zach. 

A trama de “De Repente, Califórnia” enfoca justamente a maneira como Zach lida com seus sentimentos por Shaun, se descobrindo como homem, ganhando segurança e força e conciliando os seus anseios com as necessidades de sua própria família. O filme chama a atenção por não tentar apressar o desenvolvimento de sua história, respeitando o tempo do próprio Zach e das pessoas ao redor dele – que também precisam digerir que o jovem está mudando, e de forma definitiva.

Cotação: 8,0

De Repente, Califórnia (Shelter, 2007)
Diretor: Jonah Markowitz
Roteiro: Jonah Markowitz
Elenco: Trevor Wright, Brad Rowe, Tina Holmes, Jackson Wurth, Katie Walder 

(Felipe Andreoli na Festa de 3 Anos da revista Rolling Stone – CQC – 26.10.2009)

Eu nunca assisti ao “CQC” antes. Só conferi o programa da última segunda-feira porque queria ver esta matéria. No geral, a primeira impressão foi a de que o programa é muito bom, bem-humorado, com um tom sarcástico que funciona e bons repórteres (exceto a garota, mas, pelo que vi, ela é nova no “CQC”, então ainda deve estar encontrando seu caminho ali dentro) – o que justifica todo o barulho que imprensa e público fazem em torno do programa.

Esta matéria feita pelo Felipe Andreoli, especialmente a entrevista dele com o Marcelo Camelo (um dos cantores favoritos do blog, declaradamente), fizeram a minha semana. Acho que baixou a Mallu Magalhães no Camelo ou ele é viajadão desse jeito mesmo ou então ele estava desnorteado pela maneira como a apresentação deles nesta festa terminou. O disco voador, o Inri Cristo e a frase “meu amigo acha que eu devo estar no portfólio de Deus” me fizeram rir horrores!!!

A realidade na qual se passa o filme “Distrito 9”, de Neill Blomkamp, é muito interessante. Estamos em Johanesburgo, capital comercial da África do Sul, aonde, há 20 anos, uma nave espacial está parada nos céus. Os alienígenas que ali vieram moram isolados na área que dá nome ao filme e que parece um mundo próprio com suas regras, relações comerciais e de poder todas bem definidas. Quando a trama começa, estamos num ponto crítico da relação entre humanos e aliens. A violência, a intolerância, o apartheid estão no seu ápice e algo precisa ser feito.

É aí que entra a Multi-National United, que é a organização responsável por fazer o reassentamento dos alienígenas que vivem no Distrito 9. Liderados por Wikus Van DeMerwe (Sharlto Copley, numa sensacional atuação), os agentes da MNU invadem o Distrito 9 como se estivessem entrando em uma zona de guerra. Além das casualidades da batalha, aliens são pegos como cobaias dos estudos armamentistas feitos pelo órgão – expondo aquela que, talvez, seja a verdadeira intenção deles. Aqui, podemos encontrar a primeira constatação do filme: o homem tem por necessidade a vontade de compreender os fenômenos e as diferentes espécies de forma a poder agir e se apropriar deste conhecimento de forma adequada e que lhe dê uma certa vantagem. 

A outra grande constatação de “Distrito 9” acontece quando o próprio Wikus é vitimizado pela batalha travada na área. Ele vira um híbrido, misto de homem e alien e vai experimentar na pele o que seus antigos alvos sentiam. Interessante perceber aqui que a mudança de ponto de vista não ocorre para fazer com que Wikus vire alguém melhor. Pelo contrário. A transformação, a relação que Wikus estabelece com o alien Christopher atendem ao instinto dele de sobrevivência e de poder voltar são e salvo para a esposa que ele tanto ama. Mais uma vez, temos o egoísmo do homem falando mais alto. 

Ficção científica que mistura ação com drama, romance e documentário, “Distrito 9” é um filme que chama a atenção por colocar vários temas interessantes em discussão – o que chega a ser até um problema, porque é difícil pro filme manter certa profundidade ou passar, digamos, uma mensagem. Entretanto, o que dá para a gente tirar do longa é que ele oferece pontos interessantes sobre a falta de entendimento e de comunicação entre as pessoas e especialmente ao destrinchar por completo a personalidade dos diversos seres que passam pela obra, independente de suas formas e feições. O que ficamos sabendo é que não existem distinções entre nossos instintos e motivações. Por isso, assistir “Distrito 9” é uma experiência um tanto fascinante – justamente para vermos todas essas interações expostas na grande tela.

Cotação: 7,5

Distrito 9 (District 9, 2009)
Diretor: Neill Blomkamp
Roteiro: Neill Blomkamp e Terri Tatchell
Elenco: Sharlto Copley, Jason Cope, Nathalie Boltt, Sylvaine Strike